ADRIÁN PANDOLFO (1964, Buenos Aires, Argentina)
Desarrollo mis trabajos y la investigación en el dibujo, el grabado y la pintura en el lugar donde vivo, la estepa patagónica, en la provincia de Chubut, Argentina. En el recorrido de estos últimos años pude encontrar soluciones plástico/visuales donde sentir del paisaje, sus pobladores, su historia, sus geografías son la resultante que hoy se pueden ver en las imágenes que hoy llegan a Jávea en la Casa del Cable.
Pude realizar estudios en las escuelas públicas de Argentina: en la Escuela Nacional de Bellas Artes Manuel Belgrano, Prilidiano Pueyrredón y Ernesto De La Carcova.
adrianpandolfo@gmail.com
h t t p s : / / w w w . a r t e o n l i n e . n e t / A g e n d a / E x p o s i c i o n e s _ M u e s t r a s /
Roberto_Koch_Beatriz_Moreiro_Adrian_Pandolfo_y_Maria_Ines_Tapia_Vera
https://www.arteinformado.com/galeria/adrian-pandolfo/barca-21811
http://www.arsomnibus.com.ar/web/artista/adrian-pandolfo
https://www.google.com/amp/www.elchubut.com.ar/nota/2015-6-27-dalcorecibio-
al-ganador-del-primer-premio-de-grabado-del-salon-nacional-de-artesvisuales/amp
http://cultura.cfi.org.ar/Contenido/Evento/382?
http://comunicaciontucuman.gob.ar/2016/07/inauguran-un-muestra-intervenidaporartistas-de-todo-el-pais/
ALBERTO D’ASSUMPÇAO (1956, Lisboa, Portugal)
Hijo del pintor portugués Manuel D’Assumpção nació en Lisboa en 1956. Expone regularmente desde 1989. É miembro de la R.S.A. de Londres. Con los artistas Adrian Bayreuther, Constantin Severin, Harriette Lawler, Izabella Pavlushko y Olga Dmytremko constituye el Grupo Internacional “3º Paradigma”. También es miembro de la Sociedad de Autores, International Illustrated Letter Writing Society, «Artists for Peace» y «Archetypal Expresionism”, “Mirca Art Group”, Suécia y de la Comunidad Internacional de Artistas “Art Bird”, España. Sus pinturas están en varias colecciones como la del Banco de Portugal, Fundación Cupertino de Miranda, C. M. Barcelos, C. M. Sousel, JPF, Casa de Pascoaes, Familia del poeta Antonio Pinheiro Guimaraes y otras colecciones privadas de Portugal y de otros países.
Ha participado como miembro del jurado en la 2 ª y la 3 ª Bienal Internacional de Arte de la Juventud de «Vila Verde». Fue seleccionado por el Jurado Internacional a participar en la 4 ª Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de Florencia, Italia. Fue seleccionado para participar en el «BIRD 2005 International Art Award, Beijing – China.
www.adassumpcaocom
mail: alberto.dassumpcao@gmail.com
ALEJANDRO GADEA ( 1963, Montevideo, Uruguay)
El artista, profundamente marcado por su historia personal y el exilio, encuentra en la pintura una forma de procesar el mundo: desde las texturas de la piedra al sonido del paisaje, desde la política a la memoria. La suya es una práctica vital, rigurosa, nacida de una pulsión constante de búsqueda y transformación. Como él mismo afirma: el arte no es perseguir un sueño, es estar dispuesto a trabajar, a cuestionar, a crecer creyendo en algo.
Gadea expone por primera vez en 1969. Su trayectoria abarca más de cuatro décadas de trabajo y experimentación con el lenguaje abstracto. En 2019 se instala en España, donde continúa su labor artística y docente en su taller-galería Sudestada (Marina Alta, Alicante).
Entre sus exposiciones destacan: «Pareidolia» Exposición de la galería Isabel Bilbao en el marco de Abierto Valencia 2025 (Centre el Carme, Espai D, Valencia, 2025) , Pareidolia (Museo Ca Lambert, Xàbia, 2024), Galería Toni Marí (Dénia, 2022), Centro Culturale di Milano (Italia, 2022), y la muestra individual en el Museo de Arte Contemporáneo de El País (Montevideo, 2009), entre muchas otras en Uruguay y España.
https://www.alejandrogadea.com/
ANDRÉS M. LAMBERT (1960, Aketi-Port Chaltin, Congo Belga)
De origen francosuizo, Andres Manuel Lambert pasa su infancia en Suiza: Chateau D’ Oex, Lausanne, Geneve; despuÉs vive en Francia: Etretat, Paris y finalmente en España. Desde 1989 vive y pinta en Javea (Alicante). Por medio del dibujo, mi pintura es el resultado de muchos años de una libre investigación de las estructuras de la naturaleza y de las formas generadas por mi mente, creando así el alfabeto de un lenguaje automático propio. Este lenguaje incita a viajar por mundos nunca vistos; viaje al interior de las profundidades oceánicas de la conciencia y viaje universal cósmico del subconsciente confrontando mundos opuestos con frecuencia similares, microcosmos y macrocosmos, estructuras geomorfas y estructuras gráficas mentales, de curvas y rectas, líneas y manchas, gestos y colores.
Las imágenes de Lambert ofrecen al espectador un viaje imaginario, donde, como en el test Rorscharch, se pueden encontrar diversas interpretaciones mirando una misma pintura. Túneles misteriosos, laberintos giratorios, imágenes corporales distorsionadas, con un marcado erotismo, en algunas más evidente, en otras más oculto pero que acaba por surgir tras una contemplación detallada. Orden y caos conviven: proyecto y azar, una mezcla de naturaleza y razón, figura y abstracción, mallas y texturas laberínticas, tejidas con la línea y el color, producen espacios fantásticos y sugieren figuras. Con sus imágenes parece introducirse en el interior del cuerpo humano, como si de un túnel se tratara, y creando una profundidad irracional, carnal, que sugieren al espectador, sensaciones y emociones que le conmueven, generándole una tensión expectante.
andresmanuellambert@gmail.com
http://www.lambertandre.com/
AMPARO SANTAMARINA (Valencia, España)
«.. yo intento ahora expresar por belleza de las formas no lo que el vulgo creería, la de los seres vivos o de algunas pinturas, sino que me refiero … a la línea recta y al círculo y a las superficies y los sólidos que provienen de ellos con tornos, reglas y escuadras… Pues estas cosas no digo que son bellas en relación a algo, como otras, sino que siempre en sí mismas son bellas por naturaleza…» El Filebo, considerado uno de los diálogos tardíos de Platón1. El arte nos permite combinar distintos lenguajes y crear nuevas formas de expresión partiendo de las más diversas premisas. El arte de la pintura hace tiempo que se reinventa e inunda de color formatos que abandonan la simple planitud de una superficie, para construir entidades propias, alejadas de esa necesidad de disolver el muro (para crear una ilusión naturalista); pero no por ello carentes de un significado inherente, fundamentado en el aprendizaje y la experiencia. El presente proyecto expositivo toma como punto de partida los elementos plásticos del cuadrado y la circunferencia, formas básicas intrínsecamente bellas gracias a su naturaleza geométrica y potencialmente poética. Por ello, y continuando con la línea de trabajo desarrollada en los últimos años, sigo aunando principios pictóricos y volumétricos en la misma propuesta estética. Busco crear un espacio armónico donde el espectador no sea un mero observador, sino una parte activa de un discurso que reivindica, por encima de todo, la utilidad de lo inútil.
https://asantamarina.blogspot.com/p/resumen-curriculum-artistico.html
BERNADETTE MORAND(1951, Nantes, Francia)
Bernadette Morand se dedica totalmente a la pintura. Después de varios años en las Bellas Artes de Nantes, en el taller de pintura contemporánea de Jacques Denigot, participa en un curso de pintura con Thibaut De Reimpre, y pinta actualmente en el taller de Delphine Bretesche (Nantes). Para Bernadette Morand, la pintura se crea en la acción, el momento, nunca planifica el lienzo en la cabeza . La pintura es para ella una improvisación, una dificultad, una especie de azar controlado. El gesto es manifiesto sobre la tela, preferentemente grande.
bernadettemorand@aol.com
Tel.: (+ 33) 06 07 08 05 07
http://www.bernadettemorand.fr/
CLAUDIA FERNÁNDEZ FARJAT ( 1962, Buenos Aires, Argentina)
Estudió con maestros tales como Hesberg, Leo Vinci, Pájaro Gómez, Tomasello, Victor Davobe, Adrian Giaketti. En el año 2000 ingresa en El Taller Sur dirigido por Alberto Delmonte donde cursa pintura y fundamentos visuales con la profesora Silvia Della Madalena. Realizó más de 40 muestras colectivas en Ferias de Arte, Galerias, Centros culturales, Museos Nacionales, Provinciales, en Argentina ,Uruguay, España, Francia y Gran Bretaña. Cinco Muestras individuales. Sus obras se encuentran hoy en manos publicas y privadas. Desde el año 1997 dirige su Taller del oeste como docente en San Antonio de Padua Pcia de Bs. As. La oposición al arte convencional me provoca la pura sensibilidad de la búsqueda a través de la abstracción geométrica y de la aceptación de la ortogonalidad (basada en el número de oro) sin alfabetismos y la imagen de la NO figuración. Siendo etimológicamente la geometría, medida de la tierra, me aporta a la construcción visual la idea de un orden espacial y la relación entre las formas. De este modo llegamos a lo que llamamos geometría sensible o geometría sagrada. Pensemos en un sistema de creación de un arte y una arquitectura con morfologías biológicas que incorporan la energía espiritual, es decir el reconocimiento de las relaciones que subyacen en todos los organismos vivos. Formas que se organizan según patrones, proporciones, códigos, símbolos que estructuran los sistemas más o menos densos, constituyendo la fuente y base metafórica de la creación. Geometrías que permiten el desarrollo y la evolución de organismos vivos y de la conciencia global del Cosmos. En una geometría que pueda integrar las diferentes propiedades perceptivas con el fin de dar señales entre percepción y expresión. Así como en el pasado tenía el objetivo de capacitar la mente para medir las relaciones cósmicas , la propuesta es que esta actividad fría y matemática se transforme en una disciplina sensible para que nos sirva como instrumento de una búsqueda tanto intelectual como espiritual.
c.fernandezfarjat@yahoo.com.ar
https://www.instagram.com/claudiafernandezfarjat/reels/
CLAUDINE BOUCQ (Rixensart, Bélgica)
Artista, pintora, abstracción geométrica . Técnicas: Óleo y acrílico. Después de varios años de pintura figurativa, ha tenido la creciente necesidad de explorar la abstracción. Natural e instintivamente, se ha dirigido a la geometría, donde ha encontrado una fuente ilimitada de inspiración. Empezó entonces a estudiar en una escuela de Bellas Artes, donde fue realmente capaz de desarrollar sus aspiraciones. Ha seguido su deseo espontáneo de jugar con colores y formas, empezando a interesarse por las orígenes de este movimiento.
claudine.boucq@skynet.be
http://geoform.net/artists/claudine-boucq
http://clabou.blogspot.be/
CRISTINA COQUILLAT (Valencia, España)
Frente a la agitación y al caos de la vida moderna, Cristina Coquillat nos propone una mirada hacia la naturaleza creando imágenes tranquilas y serenas que invitan a la calma y al disfrute lento. Espacios de silencio, paisajes imaginarios que surgen de su interior, de la memoria, del recuerdo de sensaciones vividas. Su proceso de trabajo es fundamentalmente intuitivo. No trabaja con una idea preconcebida del resultado. De las primeras manchas azarosas van surgiendo formas orgánicas que poco a poco van configurando una sugerencia de paisaje. A través de sucesivas capas donde se mezclan lo opaco y lo transparente, las texturas y las veladuras , consigue atmósferas donde los límites se desdibujan. Su pintura es una forma de descubrimiento y búsqueda constante, una metáfora de la vida.
www.cristinacoquillat.com
https://www.instagram.com/cristina_coquillat/
FERNANDO EVANGELIO ( 1967 Valencia, España)
Profesor en la Facultad de Bellas Artes de la Universitat Politècnica de València (España), desde 1986, compatibilizando la docencia con la actividad artística y la investigación, todo ello centrado principalmente en el ámbito del grabado y la estampación, en sus diferentes aplicaciones como medio de creación artística, tanto en la producción de estampas seriadas como en otros formatos, entre los que estarían los libros de artista y también trabajos experimentales de grandes dimensiones e impresos en diferentes materiales, y en combinación con otro tipo de técnicas y procesos, explorando la versatilidad y la riqueza de recursos de los sistemas de estampación. Su actividad como artista e investigador se ha materializado en varias publicaciones en libros y revistas especializadas, participación en congresos y también en proyectos de investigación, así como en la realización de gran número de exposiciones, de ellas, trece individuales, todas en museos y galerías España, y más de 300 colectivas, muchas de ellas internacionales. Su obra se encuentra en museos y colecciones de España, Bélgica, Italia, México, Chile, Egipto, Taiwán y Costa Rica.
https://www.instagram.com/fernandoevangeliorodriguez/
FUENSANTA NIÑIROLA (Murcia, España,1952)
Artista visual afincada desde1972 en Valencia, se licenció en Bellas Artes por la facultad de S. Carlos (Universidad Politécnica de Valencia), habiendo realizado posteriormente otros cursos y talleres de grabado y serigrafía; ha hecho numerosas exposiciones de su obra, tanto individuales como colectivas, principalmente por el arco mediterráneo, así como en Madrid, Buenos Aires, Patagonia, diversas ciudades de Portugal. Actualmente centra su trabajo en obra producida digitalmente. Su trayectoria pictórica ha recorrido diversos temas y técnicas, marcando zonas donde se juega con una cierta abstracción expresionista, reflexionando sobre los conceptos de luz, paisaje y movimiento. Sus últimos temas suponen una profunda revisión de la naturaleza en su aspecto más puro y elemental, rozando la abstracción en algunas obras, que conforman su trabajo más reciente. Mi pintura funciona como una terapia, un modo de expresión básico. Comunica mi estado emocional, mi visión del mundo y de la vida. No trato de dar explicaciones racionales, ni de mandar mensajes, sino de disfrutar y hacer partícipe de mi gozo al espectador. No es un arte doliente, sino gozoso. Color y línea se entrelazan en mis composiciones. Figuración y abstracción se alternan. Busco composiciones que me atraigan, tanto por los colores como por sus líneas y trazos, aunque también busco texturas, físicas o imaginarias, espacios y tramas que entrelacen las emociones.
fninirola2@gmail.com
https://www.instagram.com/fninirola/
http://fninirola.blogspot.com.es
ISABEL D’ASSUMPÇAO (1958, Lisboa, Portugal)
Tras graduarse en Enfermería en1983, comenzó a dedicarse a la tapicería, trabajando con su esposo, Alberto D’Assumpção, en el diseño de paneles con la técnica de Arraiolos (técnica tradicional portuguesa que eligieron para su obra), según dibujos compositivos modernos, que ejecutan en ediciones únicas y exclusivas. Su obra está representada en varias colecciones privadas en Portugal y en el extranjero. Es miembro de la Asociación Portuguesa de Artistas. Figura en la lista «Quién es Quién de los Artistas Portugueses» de Sol Invictus Publicaciones.
Exposiciones:
1993- Exposición Colectiva de Tapices, dentro del programa Artes Visuales 92/93, impulsado por A.P.A. Oporto
– Galería Alcântara-Studio, Lisboa1994- «Viajes en la Noche», Galería de Arte Óptica Conde Redondo, Lisboa
1995- «¡Florbela! ¡flor bella!», exposición conmemorativa del centenario de Florbela Espanca, promovida por la Biblioteca Florbela Espanca en colaboración con la Asociación Portuguesa de Artistas y presentada en Vila Viçosa, Lousada, Nevogilde, Matosinhos y Lisboa.
1996- Galeria de Arte Óptica do Conde Redondo, Lisboa-Galeria Eborensia, Évora
1997- Galeria Barata, Lisboa
2025- “Art Bird Vila Real 2025”, Teatro Municipal de Vila Real
LIDIA PRAUSE (Santa Fe, Argentina)
Realizó estudios en la Escuela Provincial de Artes Visuales “Juan Mantovani” y en la carrera de Arquitectura de la Universidad Católica de Santa Fe. Amplió su formación mediante talleres de dibujo y pintura con destacados maestros. Desde la década de 1990 participa de manera sostenida en salones y exposiciones, y ha recibido numerosos premios en dibujo y pintura. Su trayectoria comprende muestras en Argentina y, a partir de 2016, participaciones internacionales en España, Portugal e Italia. Lidia Prause: La obra se funda en el dibujo como base, con líneas que estructuran el espacio y evocan lo arquitectónico. El negro se afirma como presencia dominante y el bisturí abre incisiones que revelan capas ocultas. Surgen así territorios abstractos, tensados entre lo orgánico y lo construido, habitados por figuras que se arman y se desarman.
lidiaprause@gmail.com
http://lidiaprause.com.ar
https://www.facebook.com/lidiaprause
LORNA BENAVIDES ROMERO (1968, San José, Costa Rica)
Mi dedicación a la escultura está estrechamente ligada a la fascinación que siento por la manipulación de los materiales. La piedra, el gres, el metal, la madera me entusiasman por lo que son, cada uno con sus características propias, cada cual ofreciéndome su maravillosa naturaleza para plasmar mi creatividad. Para esta muestra he querido reunir esculturas que hablan del mar, del agua, de la vida que habita y habitó sus profundidades. La ductilidad del gres me permite fantasear sobre la flora marina, los arrecifes, las algas. La memoria del mármol es testigo del paso de seres que vivieron hace mucho tiempo. El alabastro y el ónix reflejan las transparencias del agua cuando el sol juega al trasluz. Un mascarón evoca la ancestral vocación marinera de Xàbia. Esculturas que hablan de sal, sol, y seres que la materia ha devuelto a la vida.
Lorna Benavides Romero, 2026.
https://www.instagram.com/lornabenavidesromero/
www.lornabenavides.com
https://youtu.be/zrfn9SP4qc4
MAIKE REMANE ( 1964, Hannover, Alemania)
2024 Apertura nuevo estudio en Lübeck/ Alemania
2023 23.7.-6.8. Encuentro de artistas internacionales en Annaberg/ Góra/ Polonia
2023 30. Junio -10. Julio simposio internacional de arte en Wittingen/Lüben/Alemania
2022 Estancia por estudios en Italia, Vittorio Vinetto
2020 Estancia por estudios en Brasil
2019 Adquisición obra colexxión particular Dubai
2012-2018 Estudios de arte, Universidad Braunschweig, Alemania desde 2017. Propio estudio y artista autonoma
2016 Participación en la subasta de arte de la Ostseezeitung Rostock en la Universidad de teatro y música de Rostock, Alemania
Desde 2004 Exposiciones individuales y colectivas en Alemania, España, Polonia. seit 1998 Estudios de pintura con artistas como Nejla Gür, Georg Kleber, Günther Reil, Georg Ystein, Robert Süss, Andrei Krioukow
Colecciones
Adquisición de obra en instituciones públicas y privadas, tanto nacionales como internacionales
Miembro del BBK, GEDOK, bskunst.de, Art Bird, Art 38
https://www.instagram.com/art__mare/
MARCO AYRES (1972, Lourenço Marques, Mozambique)
Marco Ayres es un artista plástico mozambiqueño afincado en Oeiras, Portugal, cuya obra destaca por su originalidad y profundidad conceptual. Graduado por la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Lisboa en 2001. Es un artista de tercera generación, con tradición familiar en las artes. Sus obras reflejan: tonos de tierra roja de Mozambique, referencias culturales portuguesas, como Fernando Pessoa. Es el creador del Proyecto Genoma Artístico, un enfoque innovador de la pintura que transforma los lienzos en composiciones dinámicas e interactivas. Inspirado en el genoma humano, con sus cuatro bases emparejadas.Homenaje a la ciudad de Estremoz, incluidos los muñecos de barro clasificados como Patrimonio de la Humanidad Las obras se componen de cuatro lienzos que se pueden girar y reorganizar. Cada pantalla representa a una «persona» que se comunica con los demás, creando nuevas narrativas visuales.El concepto permite al espectador interactuar con la obra, alterando su composición.
https://marcoayres.pt/about-2/
MIGUEL CASTILLO OÑATE ( 1962, Albacete, España)
Estas obras se articulan a partir de un proceso sostenido de recreación de planos, texturas y colores como traducciones sensibles de estados internos. La imagen surge como un campo en transformación, donde las capas se cruzan, se superponen y se modifican mutuamente, del mismo modo en que los estados de ánimo se sedimentan, se desplazan y evolucionan con el tiempo. Lo visible se presenta siempre en relación con lo que permanece latente, y en esa tensión la imagen adquiere densidad. La obra acontece como huella, como registro de una experiencia que se despliega en el tiempo. La superposición funciona aquí como un modo de pensamiento y como un archivo afectivo. Cada plano responde a un momento distinto: una variación cromática, una intensidad de materia o una textura guiada por el cuerpo y por el gesto. Estas capas buscan resonancia más que armonía inmediata. Generan pausas en la mirada, invitan a recorrer la superficie con atención, y transforman el acto de ver en un ejercicio activo de recomposición mental y emocional. El espectador participa en la obra, ensamblando sentidos, activando recuerdos, proyectando afectos. El color opera como atmósfera y como pulso. Cada tonalidad se vincula a un estado de ánimo transitorio: calma, tensión, expansión, recogimiento. Las texturas funcionan como huellas del tiempo y del gesto, como marcas de insistencia o de reposo. En su convivencia, la obra ensaya una forma de plenitud entendida como equilibrio dinámico, donde la acumulación de capas construye un espacio de presencia. La plenitud aparece como coexistencia, incluso cuando las sensaciones se contradicen.
Lo velado se manifiesta como intervalo y como profundidad. Las zonas de menor visibilidad abren espacios de respiración entre planos, activando la imaginación y la memoria del espectador. En este punto, la ausencia se convierte en un componente activo de la experiencia, aportando ritmo y amplitud a la percepción. El vacío actúa como material sensible, tan relevante como el color o la forma. La obra se configura así como un territorio de negociación entre lo visible y lo evocado, entre la materia y la emoción. Cada encuentro genera una versión distinta, dependiente del tiempo, de la distancia y de la disposición de quien mira. La obra se desplaza del objeto al proceso y se sostiene en la participación silenciosa del espectador, que recompone y siente a partir de lo que la superficie propone. Más que representar un estado emocional fijo, la obra plantea una condición abierta: habitar la variación, asumir el cambio como forma de continuidad. En ese gesto, la plenitud se entiende como un estado expandido, siempre en movimiento, donde planos, texturas y colores dialogan de manera constante. La obra persiste más allá de su materialidad.
https://www.migueloñate.com
MIGUEL HERNÁNDEZ SÁEZ (1967, Venta del Moro, Valencia)
ECO
En una era definida por la multiplicación exponencial de la imagen -un eco visual que se expande sin límites-, la serie «ECO» surge como un intento de transponer el concepto sonoro a la experiencia óptica. Miguel Hernández Sáez establece un paralelismo directo en el que el artista actúa como emisor, el lienzo es el objeto que produce el rebote óptico y el espectador se convierte en el receptor activo que completa la obra. Este planteamiento invita a reflexionar sobre la naturaleza de nuestra propia percepción y la forma en que habitamos el espacio visual. Estas piezas son el resultado de un riguroso proceso de síntesis. Al suprimir los matices cromáticos y reducir la paleta al binomio blanco y negro, el artista desplaza toda la atención hacia la estructura pura, explorando la frontera entre la estabilidad de la geometría y la inestabilidad de la visión. Siguiendo la línea fenomenológica del filósofo francés Merleau-Ponty, la obra en «ECO» no es un objeto estático, sino un campo de fuerzas que exige un «cuerpo activo». Bajo esta premisa, la pieza no está terminada hasta que el espectador interactúa con ella. Las obras requieren una distancia mínima desde donde apreciarlas para que estas logren «resonar» en su plenitud; la alteración de la posición del visitante y la distancia, revelarán nuevos efectos ópticos y cinéticos ocultos. Su movimiento es el agente que activa el dinamismo contenido. «ECO» nos recuerda que la percepción no es un espejo pasivo de la realidad, sino un acto de interpretación constante, activo y, a veces, ilusorio. «Un eco no es el origen, es una versión, un rastro…» El espectador es el receptor final de una onda visual que resuena, late y habita el espacio de la conciencia, completando el ciclo de una imagen que se niega a permanecer inmóvil.
TRAYECTORIA
Miguel Hernández Sáez (Venta del Moro, Valencia, 1967) es un artista visual cuya práctica se sitúa en la intersección del Arte Óptico y la Abstracción Geométrica. Licenciado en Bellas Artes por la Universidad Politécnica de Valencia, su obra se centra en la investigación de la percepción, el volumen ilusorio y la creación de estructuras visuales rítmicas mediante la economía de elementos y la repetición modular. Su trayectoria incluye, entre otros, importantes proyectos individuales como «O+O: Oriente en Occidente» (2010-2012) y «Capital» (2012-2017). Su serie más reciente, «ECO» (2017- 2024), supone la culminación de su interés por la percepción visual. El trabajo de Hernández Sáez goza de un amplio reconocimiento a nivel nacional, avalado por una sólida presencia en certámenes y bienales de prestigio.
Galardonado con diversos premios y menciones, es finalista recurrente en certámenes de referencia y su obra forma parte de colecciones públicas y privadas.
Web: http://miguelhernandezsaez.blogspot.com/
Instagram: https://www.instagram.com/miguelhernandezsaez_art/?hl=es
Facebook: https://www.facebook.com/miguelhernandezsaez.art
MILA DOMÉNECH(Alberique, Valencia, 1952)
mdb_141@hotmail.com
https://www.instagram.com/mila.arte/
http://pinturasmila.blogspot.com.es/
https://www.facebook.com/mila.domenech.3
Profesora I.T.E.M centro Joaquin Sorolla de Valencia, estudios de Decoración , C Barreira (Valencia) Estudios de Ceramica Artística en la Escuela Oficial de Cerámica Artística , Manises (Valencia) Estudios de Pintura y Grabado en la Escuela de Artesanos de Valencia. Cursos de Serigrafía en Godella (Valencia). Realiza múltiples exposiciones desde 1995 por el arco mediterráneo y Madrid, con participación en diversas ferias de arte: INTERART , ARTEXPO, DeARTE ACTUAL . Las piezas que presenta se inscriben dentro de la trayectoria de esta artista, en la que predomina el elemento decorativo, en la línea del movimiento artístico Arts&Crafts así como del modernismo sezesionista austriaco. Patterns de vivos colores, florales o de líneas/manchas abstractas, que incluyen en muchos casos los dorados, tan afines a los movimientos citados. Lo novedoso de estas obras expuestas es la técnica, que introduce el elemento del azar al distribuir la resina por el soporte, creando imágenes menos seriadas y más abstractas, donde los colores, cálidos y fríos, se combinan de modo aleatorio, pero equilibrado, siempre supervisados y dirigidos por la atenta mano de la artista.
MÓNICA LEBEDINSKY (Buenos Aires, Argentina)
Artista Plástica argentina –española. Egresada del Profesorado Superior de Pintura Mural (Escuela Superior de Bellas Artes Ernesto de la Cárcova). Profesora Nacional de Escultura (Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón”) .Maestra Nacional de Dibujo ( Academia de Bellas Artes “Beato Angélico”). Asistió de 1990 a 1995 al taller del maestro Ponciano Cárdenas. Participó en concursos y salones de Argentina ,Italia y Suiza Poseen obra suya colecciones privadas de Argentina ,Brasil , México ,EEUU, Francia ,España ,Italia ,Alemania ,etc “El magnetismo de las obras de Mónica Lebedinsky traspasa la superficie del lienzo para calar profundo en la retina de quien las contempla,Con un estilo que retoma el constructivismo rioplatense de artistas como el uruguayo Joaquín Torres Garcia es que la fuerza del discurso pictórico se edifica desde el refinamiento de sus propios recursos formales . De esta manera la fuerza arrasadora de las pinceladas sumado a un efecto matérico construido por la superposición de capas permite centrar la atención sobre las posibilidades intrínsecas de la pintura que lejos de todo efecto figurativo busca a partir de su propia deconstrucción articular un efecto dinámico y despojado También sus obras privilegian el color y las formas geométricas para evocar sobre el lienzo una fuerza y organicidad arrolladora “ Majo Echarri
monilebedinsky@yahoo.com.ar
http://monicalebedinskypinturas.blogspot.com.ar
Mónica Lebedinsky Arte
MONIQUE THOMAS (1949, Argelia)
«Para mí, la pintura es una puerta, una puerta abierta a otro mundo», afirma Monique Thomas, nacida en 1949 en Argelia. Formada muy temprano en el arte, se dedica primero a la danza y se convierte en bailarina del ballet de la Ópera de París. El final de esta carrera marca un regreso decisivo a la pintura, que, junto con la danza, sigue siendo uno de los dos ejes fundamentales de su trayectoria.
El movimiento, la memoria del gesto y el ritmo del cuerpo atraviesan el conjunto de su obra. Tras numerosos años en París, sus exposiciones la llevan por África, Europa, Rusia y Japón, enriqueciendo una práctica abierta a las influencias y a las experiencias vividas. El «otro mundo» al que hace referencia la artista es un espacio interior. Los cuadros conservan las huellas de los acontecimientos, los recuerdos y las emociones, como tantas capas de memoria. Al observarlos, las imágenes parecen compuestas de fragmentos que se superponen y se funden en una sola superficie. Monique Thomas trabaja mediante capas sucesivas sobre lienzo, madera o papel, mezclando colores, materias y técnicas — pincel, espátula, raspado, collage—. Cada capa posee su propia historia y permanece perceptible incluso cuando queda cubierta. Esta acumulación crea una tensión entre densidad y transparencia. Las superficies pueden parecer heladas, casi minerales, mientras que una corriente cálida y palpitante parece circular en profundidad. La presencia recurrente de un punto rojo o de un elemento rojizo, visible o enterrado bajo la materia, actúa como un signo: latido, herida o recuerdo que aflora. Al orientar su trabajo hacia la abstracción, la artista trasciende lo íntimo para entrar en relación con el espectador. Sus obras están en constante transformación y reflejan la vida misma: su pulsación, la experiencia interior y las influencias del mundo exterior. De estos cuadros se desprende una atmósfera densa y silenciosa, fruto de un largo proceso de trabajo. Las obras de Monique Thomas aparecen así como lugares de metamorfosis, donde todo se juega en el instante de la contemplación, en un presente suspendido. (Crítica de Daniela Gerlach )
monique.thomas03700@yahoo.fr
www.moniquethomasb.com
Facebook : Monique Thomas B
Instagram : @moniquethomasb
NICOLETTA TOMAS ( 1963, Madrid, España)
«La pintura es un lenguaje íntimo entre mi alma y yo .Aprendo con ella. Habito el reino de la forma para dejar que hablen sentimientos profundos, espejos de mi mundo al mundo, de fuera a dentro y de dentro a fuera. El campo de batalla siempre en mi interior, y la imaginación de compañera. Mis motivos pictóricos, la luz del ser humano, su fragilidad y su grandeza. Retazos del camino que uno recorre consigo mismo, con el reino Animal y la Naturaleza, en busca de las respuestas a las grandes preguntas del ser humano. No me interesa tanto una obra por cómo está ejecutada, sino por su capacidad de nutrir al que la mira, de hablar directamente al corazón de las personas.»
nicoletta_tomas@hotmail.com
www.nicoletta.info
www.instagram.com/lapinturadenicoletta/?hl=es
www.facebook.com/Nicoletta.ArtGallery
RAIMUNDO FOLCH (1960, Manila, Filipinas)
De padre español y madre filipina, se traslada a Valencia, España en 1975 donde mas adelante estudia modelado en la Escuela de Artes y Oficios de Valencia, y posteriormente peritaje en cerámica artística en la Escuela de Cerámica de Manises. Desde 1976 hasta la actualidad reside en Mislata, Valencia. Me considero un interprete del mundo onírico hacia este mundo real a través de la pareidolia subjetiva en la cual cualquier objeto cotidiano puede sugerir en mi mente la imagen de una escultura con mi propio estilo personal que es la síntesis de varias tendencias artísticas desde el greco-romano, renacentista, expresionismo, art deco, hasta el surrealismo y cubismo etc.
https://raimundofolch.com
https://www.instagram.com/raimundo_folch_sculptures/
SUZANNE MARIE LAMBERT (EE.UU.—Francia)
La artista Suzanne Marie Lambert es una pintora y fotógrafa cuyo trabajo se mueve entre distintos lugares y culturas. Crea, da clases privadas y divide su tiempo entre los Estados Unidos, Francia, y Vietnam. Su obra abstracta contemporánea se encuentra nacional e internacionalmente en colecciones y corporaciones privadas. «Mi intención es transmitir visualmente, a través del color, el tono y la composición, el sentimiento y la esencia de los lugares que vivo y visito, las personas que experimento. Me mueve la energía de la vida; Deseo llevar este sentimiento al espectador, tocarlo y, tal vez, levantar el alma. En mi traba-jo expreso la belleza que veo y siento en esta aventura que llamamos ‘Vida’. Para ir más allá de la limitación, expresando movimiento, para encontrar una libertad más allá del procedimiento racional… una ejecución de actividad genuina». -SML
+1-513-702-8926
suzannemlambert@me.com
www.suzannemarielambert.com
www.suzannemarielambert.blogspot.com